Especialidad 10° Semestre II
DISEÑO I
GRADO:10°
(P 3-4)
PARTE 1
EJES TEMÁTICOS
1. El diseño de objetos
2. Los Elementos del D. O.
3. Fases del proceso Creativo
4. El diseño industrial (Noción)
5. Planos, bocetos y croquis
6. Acotación de figuras
7. Modelado de planos 2D a 3D
8. Textura y expresión
CONCEPTO
Un objeto de diseño es todo aquel objeto, que por medio de un proceso productivo, aparenta provenir de un proyecto de diseño. Esta apariencia es fundamental, ya que ante cualquier evaluación de diseño, el exterior del objeto (lo que aparenta) dice su cualidad. Dentro del mundo de los objetos de diseño, encontramos desde un clip, pasando por indumentarias y objetos de uso cotidiano, hasta aviones e incluso la Estación Espacial Internacional.
El significado e interpretación que se agrega a un siempre depende del tiempo, espacio, cultura e incluso del estado emocional. El identificar un objeto se basa en una lectura simbólica —similar a cuando nosotros leemos—.Así como se aprende a leer los símbolos numéricos y alfabéticos, así también se comienza aprender a interpretar los colores, formas, texturas, materiales, tamaños, pesos, movimientos, posiciones, luces, sombras, es decir, todas aquellas cualidades que conforman a los objetos.1 Identificar o relacionar a un objeto con su función y contextualizarlo. Un ejemplo es ver una silla en una cocina y pensar en sentarse a comer, por el contrario ver una silla en un jardín se relaciones con el descanso. 2 Un objeto por sí solo no existe, porque cualquier objeto se ve rodeado por un entorno y éste se interpreta sensorialmente, a medida que evocamos el recuerdo del objeto, nos llega una re-experimentación de sensaciones que traen a la mente no sólo la parte semántica per se del objeto recordado, sino también todas las actividades y emociones que lo rodean, es decir, el objeto es como una obra literario; impacta y se diluye en nosotros. 3 La sensibilidad se descubre en los objetos sólo nos proporciona interpretaciones, es decir que los objetos transmiten un discurso. Los objetos son una representación abstracta de la razón y emociones, en donde interviene una multiplicidad de elementos holísticos que definen la vida cotidiana.4 Siempre somos afectados por los objetos, pues cada objeto representa una extensión tangible e intangible de las personas. Volviendo al ejemplo de la silla, cuando alguien se sienta en ella, se extienden las propias limitantes físicas y el objeto y la persona se unifican para desarrollar actividades y experiencias que no podrían suceder sin los apoyos de los objetos. Se crea un ambiente de intimidad con el sentido personificado que agregamos al objeto, nos representamos en él y de ahí que coloquemos nuestras experiencias y aspiraciones en un objeto, dándole una clase de valor que ya no es sólo funcional y monetario, sino espiritual.
El diseñar o re-diseñar un objeto artesanal requiere un proceso de ensayo y error. Empezar con dibujos, continuar con maquetas y acabar enseñando con prototipos. Es un proceso largo, dinámico y creativo que requiere un trabajo multidisciplinario detrás y que comprende una diversidad de fases
1. La idea o concepción original del objeto
2. La realización de plantillas o moldes
3. La selección de la materia prima
4. El conocimiento y manejo de la técnica
5. Las etapas de producción
6. Ejecución final del objeto
Las innovaciones arriba mencionadas se realizan sin anular la esencia del objeto. El trabajar con los componentes estructurales y principios del diseño (es decir, las relaciones y estructuras específicas de los elementos, formas y figuras), nos permite realizar un objeto estéticamente armonioso y balanceado, con impacto visual sin suprimir el valor cultural de la pieza artesanal.
2. LOS ELEMENTOS:
Línea o silueta: Describe la forma o silueta de un objeto o un plano. La línea como forma tiene longitud y anchura. En los objetos artesanales, la línea tiene una importancia única ya que el arte popular se manifiesta tanto en dos como en tres dimensiones. La línea da forma, movimiento y ritmo visual a un objeto o plano Color. Se refiere a la manera como la luz es reflejada y percibida por el ojo a partir de la superficie de una figura o formaSe usa para enfatizar y suponer una cierta forma, diseño o textura en un objeto.
En el arte popular, el color nos revela el origen de la pieza como, por ejemplo, el barro negro de Oaxaca y puede ser un factor impregnado con simbolismo, tradición e identidad.
En casos en los que el color no es el factor esencial del objeto, el diseñador puede jugar con nuevas combinaciones tomando como fuente de inspiración:
Las tonalidades del entorno: el mar, las rocas, la tierra y los follajes, etc.
Establecer una nueva gama de colores inspirada en la moda y las tendencias.
Por lo general, se pueden dividir las tonalidades de productos en el mercado actual en cuatro categorías y usarlas como guía para la creación de líneas artesanales y piezas únicas:
Neutrales: beiges, blancos y cremas, tonos clásicos que pueden combinar con la mayoría de los interiores.
· Tierras: ladrillo, ocres, mostazas, tonos más orgánicos y frecuentemente asociados con los objetos hechos a mano.
· Blanco y negro: una combinación contemporánea que armoniza con interiores minimalistas.
Colores fuertes y contrastantes: magentas, turquesas, naranjas y bugambilias, tonos asociados con “lo tradicional o lo popular”, son tonos alegres y muy comerciales.
Textura -Pequeños trazos y figuras en distribución uniforme que cubren la superficie de una figura. Pueden ser ligeramente irregulares o estrictamente regulares. Las características de una superficie varían entre grados de casi lisos hasta muy rasposo.
Forma - Jugar con las formas permite al capacitador crear nuevas propuestas para objetos tradicionales, siempre y cuando no esté afectando negativamente la identidad de la pieza. Normalmente cuando el capacitador crea un nuevo uso para un objeto tradicional tiene que modificar su forma.
Valor – es el grado de luz y oscuridad en un diseño.
Jugar con el valor es una manera efectiva de resaltar una porción de un diseño, como ejemplo, los motivos y grecas que adornan una pieza de cerámica, y brocados y bordados en trabajos textiles.
Tamaño – se refiere a las variaciones en las proporciones de los objetos, líneas o formas. Normalmente el tamaño es uno de los elementos mas fáciles de modificar sin afectar la esencia original del objeto.
Ahora que hemos articulado y revisado los elementos básicos que podemos manipular en el diseño artesanal, hay que revisar los principios del diseño. Los principios se refieren a las relaciones y estructuras especificas de los elementos, formas y figuras. Cuando estamos realizando un diseño, los principios son aplicados para crear interés, ritmo y unidad entre los elementos utilizados en un diseño.
Los principios de diseño combinan los elementos previamente descritos con el fin de crear una conjunción estética y armoniosa.
Los principios son:
Centro de interés – es el área en una composición que atrae la atención de quien mira el objeto. Es uno de los elementos más importantes y se logra por medio del contraste en valores, el uso de color y arreglo de las formas.
Balance – la sensación de equilibrio en forma, línea, valor, color, etc. El balance puede ser simétrico o asimétrico. Por medio del uso de formas, colores, texturas y líneas se puede manipular el balance visual de un objeto artesanal.
3. FASES DEL PROCESO CREATIVO
Aquí vale la pena preguntarnos si realmente existen pasos similares para la concreción de un producto creativo que sean aplicables a cualquier individuo que haya producido algún objeto creativo en diseño o en la ciencia. La realidad apunta a que cada individuo tiene su propia concepción de lo que es un desarrollo creativo de acuerdo a su propia experiencia.
Sin embargo, a pesar de que cada quien tiene su forma de trabajar, según el psicólogo e investigador Mihaly Csikszentmihalyi (1996), existen hilos conductores que podrían constituir lo que llamamos fases para la concreción de un producto creativo.
Así que, como ya mencioné, estas etapas no son lineales ni pueden ser tomadas literalmente, es decir, los procesos creativos reales se desarrollan de forma intercalada, se puede estar en la etapa de la evaluación y durante la misma tener intuiciones. Así mismo durante la incubación. Todo depende del tema, pero puede haber períodos de incubación que duren años, recordar la obra del dadaísta Marcel Duchamp conocida como“El gran vidrio” cuyo título original es “La novia desnudada por sus solteros incluso”, obra en la que trabajó durante diez años y la consideró concluida en 1923, en el momento preciso en que Man Ray, al tomarle una foto, la resquebrajó.
De cualquier manera, la visión del proceso creativo en cinco etapas, aunque demasiado simplificada, ofrece una forma válida y simple de organizar lo complejo que este proceso puede llegar a ser.
Pese a que existen coincidencias, considero importante hacer mención del esquema de Mauro Rodríguez Estrada (1985) de las fases del proceso creativo, con la finalidad de aplicarlas a un proceso de Diseño Gráfico.
4. DISEÑO INDUSTRIAL
El diseño industrial es la disciplina orientada a la creación y al desarrollo de los productos industriales (que pueden ser producidos en serie y a gran escala). Como toda actividad de diseño, se pone en juego la creatividad y la inventiva.
Actualmente el diseño industrial es un campo fundamental en áreas tales como la automoción, la juguetería, la industria electrónica o el sector del mueble, entre otras. En este último caso, por ejemplo, el diseño industrial es esencial a la hora de poder crear mobiliario ergonómico, funcional y cómodo que permita que cualquier usuario no sólo pueda hacer uso del mismo de una forma sencilla sino también que sea confortable.
El diseño forma parte del desarrollo humano. Con la aplicación de nociones del diseño, el hombre ha podido evolucionar y satisfacer sus necesidades. El surgimiento de la industria implicó la aparición de una nueva área de aplicación para el diseño.
El diseño siempre supone plasmar el pensamiento mediante dibujos, bocetos y esquemas que pueden ser trazados en diversos soportes. Es posible diferenciar entre el verbo diseñar (el proceso de creación y desarrollo) y el sustantivo diseño (el resultado del proceso de diseñar).
En la actualidad, el diseño industrial es una carrera universitaria en la mayoría de los países, en la cual se forma a especialistas en productos electrónicos, metalúrgicos, eléctricos, plásticos e industriales en general.
Las Matemáticas, la Física, la Geometría Descriptiva, la Antropología del Diseño, el Dibujo computarizado, la Modelación Digital, la Innovación Tecnológica, la Composición o la Expresión Gráfica son algunas de las asignaturas que forman parte de los estudios universitarios en la carrera de Diseño Industrial.
El diseñador industrial adquiere los conocimientos necesarios para producir los artículos industriales de acuerdo a las necesidades del mercado y de la sociedad.
Con la expansión de las nuevas tecnologías se ha producido la aparición de un amplio número de programas, aplicaciones y softwares informáticos que tienen como claro objetivo el facilitar las tareas a los diseñadores industriales. Así, de una manera sencilla, eficaz y con resultados muy atractivos tienen la capacidad de plasmar sus proyectos y propuestas de manera digital.
En estos momentos, no obstante, entre los programas informáticos con más presencia dentro del ámbito del diseño industrial están Illustrator, In Design, Corel Printer, Photoshop, Corel Draw, AutoCAD, 3D Max, Solidworks o Form Z. Se trata de aplicaciones todas ellas que no sólo permiten lograr propuestas de calidad sino también, por ejemplo, objetos en dos y tres dimensiones para que se pueda conocer de forma más exacta cual sería el resultado final del diseño de cualquier pieza o elemento.
Cabe destacar que las creaciones de los diseñadores industriales suelen estar protegidas por derechos de autor y patentes, que reconocen a la persona que ideó el producto y le otorgan la facultad para explotarlo comercialmente. Esto evita que una persona se apropie de un invento de otro sujeto e intente usufructuar con el trabajo ajeno.
Es importante tener en cuenta que la acción de diseñar requiere tareas investigativas, de análisis, modelados y adaptaciones hasta la producción final del objeto, por lo que el esfuerzo del diseñador siempre debe ser reconocido.
5. PLANOS-BOCETOS Y CROQUIS
Dentro del proceso de diseño de un producto, podemos emplear diferentes técnicas de dibujo para conseguir definir nuestra idea gráficamente, para que pueda ser entendida por otros, y llegue a construirse.
Los bocetos son los primeros dibujos que se hacen de una idea. Se realizan de manera aproximada, sin muchos detalles y sin seguir ninguna norma, para representar de forma sencilla las distintas soluciones iniciales del diseño de un objeto.
Los bocetos son dibujos a mano alzada, es decir, se efectúan a pulso sin la ayuda de instrumentos auxiliares de dibujo, solo con el lápiz y la goma.
A continuación puedes ver los distintos bocetos realizados para el diseño de una lámpara:
El croquis es también un dibujo realizado a mano alzada, que contiene información completa sobre la dimensiones (medidas) y la forma del objeto, para que puede ser fabricado. Es una representación gráfica mucho más detallada que el boceto y su ejecución requiere más precisión y claridad.
Observa el croquis de la solución elegida para la lámpara:
Los planos son dibujos delineados, se realizan con ayuda de instrumentos de dibujo (escuadra, cartabón, regla, compás, etc.), para conseguir una representación a escala de un objeto; es decir, un dibujo cuyas medidas están en proporción con el objeto en la realidad.
A continuación puedes ver el plano delineado realizado para el diseño de una copa:
6. ACOTACIÓN DE FIGURAS
Acotar es indicar en el dibujo las medidas reales del objeto. Existen una serie de normas o reglas para poner estas medidas y no podemos dejar de cumplirlas. Para indicar medidas en un dibujo emplearemos siempre el siquiente sistema de flechas y líneas.
Las cotas siempre tienen:
· Línea de cota: que se dibuja paralela a la arista que mide.
· Líneas de referencia, que delimitan la línea de cota.
· Puntas de flecha, en cada uno de los extremos de la línea de cota.
· Cifra de cota, que indica la medida de la arista real de la pieza. Esta cifra siempre se sitúa encima de la línea de cota y se expresa siempre en milímetros, salvo que se indique de forma expresa otra unidad de medida, por lo que en el dibujo sólo se escribe el número y no las unidades.
La normas que se seguirán al acotar dibujos serán:
1. Las líneas de cota se dibujan preferentemente fuera de las figuras y a una pequeña distancia.
2. Las líneas de cota no coincidirán con las aristas del dibujo, aunque las líneas de simetría y de contorno se pueden emplear como líneas de referencia en caso de necesidad.
3. Las líneas de cota se dibujan paralelas al contorno de la figura.
4. Las líneas de cota de los radios de las circunferencias llevan exclusivamente una flecha en el arco que definen, mientras que el centro se representa con una cruz.
5. Las líneas de referencia tienen que ser perpendiculares a los elementos que acotan.
6. Las líneas de cota y las de referencia no pueden cortarse con otras líneas del dibujo a menos que sea inevitable.
7. Los números, letras o símbolos que se escriban en las líneas de cota deben situarse preferentemente encima, en el centro y ligeramente separados de las líneas de cota. Cuando las cotas sean verticales, se leerán desde la derecha.
7. TEXTURA Y EXPRESIÓN
(Artes visuales). Elemento del Lenguaje visual. Se denomina así no sólo a la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino al tratamiento que puede darse a una superficie a través de los materiales.
Puede ser táctil, cuando presenta diferencias que responden al tacto, y a la visión, puede ser: rugosa, áspera, suave, etc.
La textura es expresiva, significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene, para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra.
La textura es la apariencia de una superficie. Como elemento plástico puede enriquecer la expresividad de un plano o ser el elemento configurador de una composición.
Textura
La experiencia humana ha conocido cómo es al tacto la corteza de unárbol, la superficie de una tinaja o de una piedra, una copa de cristal y miles de superficies más que conforman el ámbito cotidiano.
Cuando percibimos un objeto lo vemos como una totalidad en la cual están presentes las sensaciones aisladas de configuración, color, textura, sonido, olor, etc. Teniendo en cuenta este fenómeno los artistas de todos los tiempos han utilizado las texturas como parte de los elementos constructivos del lenguaje visual. El aprovechamiento de las cualidades táctiles ha tenido diferentes acogidas por parte de los artistas.
Como acercamiento elemental se puede señalar tres actitudes seguidas por los artistas en la utilización de la textura. En primer lugar hay artistas que no les interesan el uso o aprovechamiento de esta cualidad en sus obras y renuncian a su explotación. En segundo lugar hay artistas que sí se sienten atraídos por las posibilidades del empleo de este elemento.
Dentro de los que le interesan las texturas podemos definir dos corrientes: la tradicional representación-imitación de las texturas en su forma más meticulosa y objetiva utilizando la textura visual, y la de los que piensan que la plástica no es arte de imitación sino de creación y optan, no por recrear ilusoriamente las distintas texturas, sino que prefieren ofrecerlas al espectador en su forma real, textura táctil.
Las distintas densidades de los materiales, aplicaciones con espátula, papeles, rejillas, arenas, etiquetas y otras superficies son incorporadas a sus obras, como cualidades táctiles reales. Aunque existen artistas que combinan estos dos tipos de texturas en sus obras de arte indistintamente.
Tipos de textura
Por lo que podemos determinar que en las obras visuales existen dos tipos de textura: la táctil y la visual.
Textura táctil
Cautivo llamado el Esclavo barbudo, de Miguel Ángel.
La textura táctil es aquella que se percibe mediante el tacto y la visión, al tocar y observar la superficie de los objetos.
Se comprueba así que estos tienen relieve y que pueden ser suaves o rugosos. Cada materia tiene una textura diferente.
Textura visual
Naturaleza muerta con ladrillos, de Claudio Bravo.
La textura visual es la representación por medios gráficos, como
pintura, dibujo o fotografía, de las texturas táctiles. Por ello, las percibimos únicamente de manera visual y se llaman también texturas gráficas.
Existen diversos procedimientos para obtener texturas visuales a partir de materiales de pintura y dibujo: raspado, transparencia, estarcido, estampación, etc.
Otros tipos
Además pueden ser encontradas otros tipos como: naturales y artificiales.
Las texturas naturales pertenecen a elementos de la naturaleza, como la piel del elefante o la superficie de un pétalo de rosa.
Las texturas artificiales son las que estructuran las superficies del material con que están fabricados los objetos, como la de la pared o un papel de regalo.
Emociones que producen
La textura de los objetos influye en los sentidos del ser humano y crea una corriente de atracción o rechazo según sus características, y unas impresiones visuales y táctiles de variados efectos.
Una superficie de textura lisa y uniforme produce una sensación visual estética, y una textura rugosa, irregular y de diferentes colores produce mayor efecto de movimiento visual.
Las texturas táctiles toman un importante protagonismo, haciéndose casi imprescindibles en la escultura, decoración, diseño industrial y textil. En pintura también tienen su interés, aunque el relieve suela ser más escaso.
Expresividad de las texturas
En la escultura
La expresividad de una obra escultórica está estrechamente relacionada con el aspecto que ofrece su superficie. Ese aspecto viene dado por el tipo de material pero también por el tipo de textura elegida. Cada textura nos proporciona una sensación distinta. Con la realización de texturas podemos lograr que un objeto parezca agradable, repulsivo, frágil, pesado, cálido, frío etc. El artista es consciente de que una adecuada elección del material y las texturas con las que lo trabaje ayuda a potenciar el efecto final de su obra.
En la pintura
Las texturas son una parte principal de la obra plástica. Por medio de texturas los artistas intentan imitar en sus representaciones bidimensionales las sensaciones táctiles de los objetos de la realidad. Esa sensación de relieve la consiguen realizando entramados de líneas, gradaciones de color, superponiendo formas, cambiando el signo de la pincelada o la espátula haciendo pequeños o grandes trazos, siendo homogénea o variada, con mucha pastosidad o poca.
Otras veces, y sobre todo en los
artistas contemporáneos, la realización de texturas se convierte en su principal medio de expresión y el aspecto más relevante de sus obras. En ocasiones aplican la pintura en capas densas sobre el soporte arañándola o raspándola con diferentes herramientas. Salpican pintura con brochas y pinceles o la arrojan y la vierten directamente sobre el soporte como hacía Jackson Pollock (1912-1956) en su action painting. Añaden cargas comoarena o piedra pómez, colas y barnices sintéticos, e incluso pegan todo tipo de objetos como cartones, telas u objetos encontrados.
En el diseño
La realización de texturas en el diseño tiene dos papeles destacados: uno funcional y otro estético. El material y las texturas de cada objeto deben ser adecuados a la función práctica que tienen que desempeñan.
Además de una función práctica, las texturas poseen un efecto expresivo. Están cuidadosamente pensadas y diseñadas para conseguir resaltar la forma de los objetos y hacerlos tan atractivos como sea posible.
Fuentes
COMPLEMENTO TEÓRICO
PARTE 2
